(no subject)
PRs4ica
zina_nesterova
Goncharova_3

Московский государственный академический
детский музыкальный театр имени Наталии Сац

26, 27 апреля
Большой зал

ПРЕМЬЕРА
Н.А. Римский-Корсаков
«Золотой петушок»
Небылица в лицах по сказке А.С.Пушкина
Опера-балет
(реконструкция постановки Михаила Фокина
в художественном оформлении Наталии Гончаровой)

Постановка народного артиста России Андриса ЛИЕПЫ и  заслуженного деятеля искусств России, лауреата государственной премии России, лауреата премии «Золотая Маска» Георгия ИСААКЯНА
Музыкальный руководитель постановки и дирижер – Алевтина ИОФФЕ
Хореография Гали Абайдулова
Художник-постановщик – народный художник России Вячеслав ОКУНЕВ
по эскизам Наталии ГОНЧАРОВОЙ (к постановке «Русских сезонов» 1913 года)
Дирижер – Олег БЕЛУНЦОВ
Хормейстеры – Руслан Генэ, Татьяна Хроменко
Концертмейстеры – Татьяна Васнецова, Елена Тхиладзе
Помощники режиссера – Надежда Бизина, Вячеслав Уваров

"Золотой петушок" в Детском музыкальном театре имени Наталии Сац
PRs4ica
zina_nesterova
Goncharova_1
Московский детский музыкальный театр имени Наталии Сац 26 и 27 апреля в Большом зале театра представляет премьеру спектакля «Золотой петушок» на музыку Римского-Корсакова. Новая постановка главного режиссёра театра Георгия Исаакяна и балетмейстера Андриса Лиепы задумана, чтобы, как минимум, поразить воображение детей и взрослых прекрасной музыкой и эффектным зрелищем, а как максимум, - перевернуть все представления о том, где проходит граница между детским и взрослым репертуаром и доказать, что шедевры музыкального театра можно и нужно адаптировать для детской аудитории. Тем более, если это - такая сказочная, полная чудес и волшебства история, как небылица в лицах (жанровое определение композитора) «Золотой петушок» Римского-Корсакова, 170-летие которого отмечается в следующем году (композитор родился в марте 1844 года). Постановка театра имени Наталии Сац станет реконструкцией легендарного спектакля «Золотой петушок» Дягилевских сезонов 1914 года в хореографии Михаила Фокина и декорациях Наталии Гончаровой.
«Золотой петушок» - последняя из пятнадцати опер Римского-Корсакова, ставшая итогом творчества композитора и одновременно наметившая многие пути в дальнейшем развитии русской музыки. Находки «Золотого петушка» по сей день становятся темами многочисленных исследований, доказывающих, что опера-завещание Римского-Корсакова становится предтечей многих краеугольных партитур ХХ века, среди которых «Жар-птица» Стравинского, «Любовь к трем апельсинам» Прокофьева, «Илья Муромец» Глиэра.  Музыка оперы, полная символов и аллюзий, удивительных красот и тембровых открытий, превращает лёгкую иронию Пушкина в памфлетный гротеск, а  едва уловимые намёки – в едкую сатиру. Многоплановость музыкальной драматургии – одна из причин разнообразных толкований идеи и смысла оперы.
Премьера «Золотого петушка» состоялась 24 сентября 1909 года в Московской опере Зимина. На сцены императорских театров оперу не пропустила цензура, усмотревшая в этом опусе Римского-Корсакова резкую критику власти. А в советскую эпоху «Золотой петушок» считался едва ли не самым гневным обличением самодержавия.  Западные режиссеры (эта опера – едва ли не самая репертуарная за рубежом в наследии Римского-Корсакова) и постановщики-авангардисты подчёркивают символизм этого опуса. Современных постановщиков привлекает ироническая интонация, уловимая и в композиции, и, особенно, в музыке оперы.
«В «Петушке» много гоголевского, необычного, неожиданного, инфернального, труднообъяснимого», - характеризовал Василий Синайский постановку 2011 года в Большом театре. «Золотой петушок» был поставлен даже в эстетике театра Кабуки – так интерпретировали последнюю оперу Римского-Корсакова режиссёр Энносюке Ичикава и дирижёр – Кент Нагано в постановке парижского театра Шатле (в 2003-м этот спектакль был перенесён в Мариинский театр). Новая постановка Театра имени Наталии Сац приурочена грядущему 100-летию театра Елисейских полей, и в июле 2013 спектакль будет показан на знаменитой парижской сцене в рамках проекта «Русские сезоны XXI века».
Перефразируя знаменитые слова последних четверостиший пушкинского «Золотого петушка» («сказка ложь, да в ней намёк»), можно сказать, что практически все постановщики видели в «Золотом петушке» Римского-Корсакова намёки, и отодвигали на второй план сказку. Постановка Театра имени Наталии Сац – попытка достичь равновесия, сполна раскрыть жанровое определение, данное опере самим Римским-Корсаковым – «небылица в лицах». Пускай сейчас юные слушатели вдохновятся красотой музыки и волшебством сюжета, чтобы повзрослев, постигнуть всю многозначность этой небылицы.
Грядущая премьера Театра имени Наталии Сац уникальна не только своей адаптацией выдающегося оперного шедевра для детской аудитории. В замысле Георгия Исаакяна и Андриса Лиепы отдельного внимания достойна аутентичная сторона постановки. «Золотой петушок» Исаакяна-Лиепы – это реконструкция легендарной постановки «Русских сезонов» Дягилева.
Опера-балет «Золотой петушок» была представлена в рамках «Русских сезонов» Сергея Дягилева в 1914-м году и стала одной из самых успешных постановок этого года. Повышенный интерес публики вызывали эффектное оформление спектакля, сделанное художницей-авангардисткой Натальей Гончаровой, и изысканная сценография Михаила Фокина, для которого «Золотой петушок» стал одной из последних совместных работ с Дягилевым. Этот спектакль наиболее ярко воплотил эстетику «Русских сезонов», одной из самых сильных сторон которой был синтез музыки, танца и художественного оформления. Из этих составляющих, каждая из которых была исполнена выдающимися композиторами, балетмейстерами и художниками того времени, рождались уникальные спектакли. Эскизы оформления этих удивительно красивых постановок сегодня сохранились в архивах, но сценические воплощения дягилевских спектаклей на современной сцене – большая редкость. Андрис Лиепа давно занимается восстановлением легендарных постановок «Русских сезонов» и называет работу над реконструкцией дягилевских спектаклей своей миссионерской деятельностью. А совместная работа  хореографа-постановщика с главным режиссером Театра имени Наталии Сац Георгием Исаакяном позволит открыть в первую очередь детской аудитории великолепие золотого века русского балета и красоту одной из самых удивительных оперных партитур Римского-Корсакова.

Хочу Оксану! (детские неожиданности)
PRs4ica
zina_nesterova
Сегодня мой сын Георгий, недавно отпраздновавший 4-хлетие,  смотря «Спокойно ночи» очень расстроился. На первых кадрах вскочил, насупился, руки в боки, встал и исподлобья так, с вызовом, выкрикивает: «А где Оксана?! Оксана ГДЕ?!!! ХАчу Оксану!!!!» И чуть не плачет!!! Сказать, что у меня челюсть отвисла и дар речи пропал – это не сказать ничего.
И не только от экспрессии этого выпада, сколько от провала собственных воспитательных установок. Не так уж давно (пару-тройку недель назад) мы с Гошей как-то полушутя, игриво, как это, в общем-то, и принято с детьми, обсуждали ведущих «Спономал» (это мы так  сокращаем «СПОкойной Ночи МАЛыши»). И я таки осталась в полной уверенности, что мой послушный мальчик уверовал в дидактические наставления своей любимой мамочки о том, что вот такая, как Аня (Анечка – какая хорошая девочка, да-да) – вот это таки-да, хорошая деточка, вполне себе внятных габаритов, умненькая, из прЫличной семьи, вот такие оччч подходят нам, сЫночка… Не то, что эта, Оксана, посмотри, кака… хуенькая, длинненькая… (Ну, вы же, друзья, меня таки понимаете – надо уже сразу, с детства, правильные установки воспитывать!)  И ЧТО?! ЧТО… я вас спрашиваю?! В какое-такое ухо влетели сыночку наставления его любимой мамочки, и через што ж таки они вылетели?
Вот такие детские неожиданности. Ну, а если серьезно, второй абзац, где начинаются комментарии – это, конечно, я прикалываюсь. Но начало – чистая правда! И, главное, интонация, о-о-о-о, какая у моего сынка была интонация!.. Оксану он, блин, хочет!.. Да-а-а, я это долго не забуду. Теперь вот думаю, для того, чтоб когда он вырастет, со мной такого шока не случилось (уже от других, реальных, «Оксан»), может мне уже сейчас начинать над собой работать? Чтоб потом ТАКИ можно было со мной «договориться»… (это я намекаю на анекдот: «С кем легче договориться?..)

Дирижёрский карт-бланш Александра Лазарева
PRs4ica
zina_nesterova
LAZAREV   15 декабря в Большом зале Московской консерватории состоится очередной концерт абонемента «Дирижёрский карт-бланш» Национального филармонического оркестра России (худ.рук. Владимир Спиваков), программы которого формируются всецело по вкусу дирижёров, получающих полную свободу в выборе репертуара. Часто этот творческий выбор преподносит неожиданности. Многим покажется необычным программа Александра Лазарева: дирижёр, признанный во всём мире как один из лучших интерпретаторов русской музыки, обратился к музыке Брамса. Но прошлые сезоны Лазарев, ежегодно выступающий с НФОР, много играл с оркестром именно русской музыки, и теперь маэстро было бы интересно обратиться к европейской классико-романтической традиции, в контексте которой Брамс занимает особое место. В программе – Первый фортепианный концерт (солист Иван Рудин) и Первая симфония.
Первый фортепианный концерт Брамса современники называли симфонией для фортепиано с оркестром. Обдумывая Первую симфонию, которая создавалась рекордно долго – почти пятнадцать лет, Брамс признавался: «Я никогда не напишу симфонию! Какой смелостью надо обладать, чтобы решиться на это, когда слышишь за собой «шаги гиганта». Кто имелся в виду под «гигантом» пояснил Ганс фон Бюлов, назвавший Первую Брамса «Десятой симфонией Бетховена». Произведения «последнего немецкого классика» (как иногда называют Брамса) в исполнении И.Рудина и НФОР под управлением А.Лазарева – этот «дирижёрский карт-бланш» достоин всяческого внимания меломанов.

Памяти Баршая
PRs4ica
zina_nesterova

18 ноября в Большом зале Московской консерватории Государственный камерный оркестр России под управлением Алексея Уткина открывает свой персональный филармонический абонемент концертом памяти Рудольфа Баршая. Баршай создал Московский камерный оркестр, который в новой российской истории получил нынешние название и статус. Именно в качестве основателя и многолетнего главы Московского камерного оркестра Баршай снискал мировую славу выдающегося дирижёра. Даже после отъезда Баршая в 1977 году на Запад созданный им коллектив остался образцом стиля и исполнительского мастерства.

Концерты памяти Баршая – ежегодная традиция камерного оркестра России, и каждая из мемориальных программ стремится отразить все грани таланта выдающегося дирижёра.

Помимо дирижёрской славы, Баршая считают одним из лучших авторов переложений для камерного оркестра. Для этого состава маэстро сделал аранжировки самой разной музыки, но больше всего обращался к И.С.Баху и Шостаковичу. В предстоящем концерте прозвучит си-бемоль минорная сюита И.С.Баха, в которой сольную партию гобоя исполнит Алексей Уткин, а флейты – Мария Чепурина. А Камерная симфония «Памяти жертв фашизма и войны» (переложение Восьмого квартета) Шостаковича – одно из самых часто исполняемых камерных сочинений композитора и едва ли не самое известное переложение Баршая.

Моцарт – также одно из важнейших пристрастий Баршая, который среди отечественных музыкантов считался одним из лучших интерпретаторов моцартовского стиля. В фортепианном концерте Моцарта будет солировать Валерий Гороховский, прославившийся оригинальными программами «Бах в джазе» и «Моцарт в джазе». Но его участие в вечере памяти Баршая продемонстрирует в первую очередь его академическое мастерство. Хотя, такие смелые интерпретаторы, как Гороховский способны преподнести самые неожиданные сюрпризы.

Символично и обращение к струнному концерту Стравинского, называемого «Базельским»: именно в Базеле 2 ноября 2010 года скончался Баршай. В этом же году пост художественного руководителя Государственного камерного оркестра России занял гобоист Алексей Уткин. «В своих выступлениях памяти Баршая мы отдаем дань уважения и низко кланяемся выдающемуся музыканту, который являлся образцом честного, самоотверженного служения искусству и поразительной вдохновенности своим делом», - говорит Уткин. «И сегодня мне и моим единомышленникам-оркестрантам очень важно сохранить тот дух и настрой увлечённой, творческой атмосферы, который существовал в коллективе во времена Баршая».


Интервью солиста Московской филармонии, виолончелиста Сергея Антонова журналу "Музыкальная жизнь"
PRs4ica
zina_nesterova

«Музыкальная жизнь», октябрь, 2012

Сергей Антонов: «Сцена для меня – как наркотик, я без неё не могу!»

Слушая Сергея Антонова, всегда открываешь для себя что– то новое. Так было и на филармоническом концерте ко Дню музыки – первом концерте абонемента «Звёзды XXI века», состоявшемся 1 октября в Концертном зале имени Чайковского, где Сергей солировал в виолончельном концерте Лало. Эта вещь, драматургически увлекательная, полная неожиданных контрастов и стилистических сопоставлений, предстала в интерпретации виолончелиста стройной и многообразной картиной мира. Антонова, пожалуй, можно назвать самым ярким участником филармонического вечера, приуроченного ко Дню музыки. Звучание его виолончели столь богато и органично, что вспомнилась аллегория, внушаемая многим начинающим музыкантам: «инструмент (смычок, клавиатура) – продолжение твоих рук». Фактически, это стремление овладеть всеми ресурсами инструмента, слиться с ним, чтобы не только достичь максимально качественного и эффектного исполнения, но и  суметь создать запоминающуюся интерпретацию, соединяющую блистательную технику, артистическую свободу и вдумчивую работу над смыслом произведения.  Обрести такую исполнительскую свободу, чтобы сотворить собственный музыкальный мир по лекалу, предложенному композитором. Это доступно избранным, к числу которых, вне сомнения, принадлежит Сергей Антонов.

Как достичь такого результата, и можно ли его «наработать», или он даётся непредвиденно, даруется, как талант, свыше, –  обо всём этом мы беседовали с Сергеем Антоновым. При всей своей современности и динамичности этот, стоящий на пороге тридцатилетия артист, производит впечатление на редкость рассудительного, позитивного и принципиального человека. Эти качества – тоже показатели творческой зрелости молодого музыканта. А может, всё дело в традициях, всё сформировалось благодаря династической преемственности, которая позволила музыканту выстроить столь редкостное в наше время по своей цельности мировоззрение?

 Насколько семья, музыкальная династия, к которой Вы принадлежите, сформировала Вашу творческую личность? Галина Журавлева

  Я вырос в семье виолончелистов. Мой отец, Борис Антонов, много лет работал артистом БСО имени Чайковского, мама, Мария Журавлева, – педагог ЦМШ и мой первый учитель. У нас в доме постоянно звучала музыка, было дружеское общение с коллегами родителей – артистами. Однако я мало верю в то, что окружающий музыкальный фон мог стать решающим импульсом к занятиям музыкой у ребёнка пяти лет, впрочем, как и в более старшем возрасте. Ведь у детей нет стремления заниматься таким долгим и сложным делом, как занятия музыкой. В музыке дети не видят результата сразу, в нашем деле прогресс не достигается быстро, а это несовместимо с детской психикой. К тому же, есть по– настоящему рутинные вещи, которые необходимо преодолевать, как, например, постановка рук. Обучаться игре на фортепиано я начал с бабушкой, Галиной Журавлёвой (она пианистка), а в игре на виолончели моим первоначальным «импульсом» была именно мама. Её отношение к процессу обучения было решительным и смелым. Мама ставила сложные задачи прежде всего перед собой (уже вторично – передо мной), и в достижении намеченных целей её не останавливало ничего. Сейчас понимаю, что, не смотря на всю жёсткость, это – правильная позиция. В нашей профессии просто так, само собой, не состоишься. Оборачиваясь назад, вижу концептуальный педагогический подход  к моему обучению, и, сравнивая с другими педагогами и методиками, наблюдаю большую разницу между традиционным преподаванием и тем, как обучали меня. В результате, на занятиях в Московской консерватории (в классе Наталии Шаховской) мне не надо было задумываться о том, какие у меня возможности, учёба в ВУЗе стала совершенствованием мастерства, а не его освоением. Передо мной уже стояли задачи более «высокого» уровня – задачи творческого роста, стилистического подхода. Их реализация, конечно, зависит от возможностей. У любого человека они не безграничны, но научить наиболее эффективно и максимально использовать все свои ресурсы – задача именно первого педагога, в работе которого, возможно, важнейшее, –  максимально убрать все «потолки» и преграды, стоящие перед учеником.

Думаю сейчас обо всём этом, смотря на своего маленького сына, который в свои два с половиной года сам взял смычок, причем совершенно правильно. Это и удивляет, и радует: у меня бывали шальные мысли, что ничто не вечно на этом свете и надо бы задуматься о том, как и кому буду передавать собственный опыт. Но, опасаюсь, как– бы не получилось, как у некоторых педагогов, когда обучение собственного ребенка заканчивается уходом к другому преподавателю или вовсе сменой инструмента. Отдаю себе отчёт, что при условии обучения ребёнка не у меня, а у другого педагога, нельзя будет его критиковать, иначе возникнет конфликтная ситуация и ты удостоишься закономерной сентенции: «Знаешь? – Делай сам!». А если делать, то только по высшему разряду, так – как моя мама–перфекционистка. Именно она была моим лучшим педагогом!

 

 Богатые семейные традиции сегодня влияют на ваши интерпретации?

  Сейчас я стараюсь постепенно удаляться (иногда довольно сильно) от традиций. Часто замечаю, особенно, когда играю камерную музыку, что традиция исполнения противоречит тому, что несёт нотный текст. Темповые обозначения не сочетаются с нотами, слушаешь записи – и понимаешь, что задумка композитора была не совсем такой. Исполняя произведения, которые не знаю, стараюсь не слушать их в записи, чтобы не навязывать себе какие– то нюансы. Опираться на записи – это полностью отвергать эволюцию творчества, ведь если признать запись эталонной, то произведение будет «стоять на месте». К тому же, нельзя забывать, что композитор мог быть и неправ. Я всегда представляю, что сказал бы композитор, услышав то или иное исполнение его музыки. Ведь многие авторы писали свои виолончельные концерты в содружестве (даже  в соавторстве) с солистами. Наше исполнение – это разговор с невидимым композитором, и эту беседу необходимо поддерживать, несмотря на критику и упрёки о том, что нельзя свободно относиться к авторскому тексту, что всё, что позволено –  ксировано в нотах. Не надо бояться выносить новые идеи на сцену, это то, что двигает вперед, заставляет шевелить мозгами. Правда, существует опасность потерять вкус и стиль. Это недопустимо, и чтобы этого не случилось, необходим жесткий самоконтроль. Все словно боятся одного вопроса: «Почему играть надо так?» Объяснений нет, одни догмы, как в религии. Однако, музыка – не религия. В искусстве не стоит отказываться от того,  что двигает вперёд, иначе будет скучно.

 Талант всегда найдёт дорогу или он может остаться непризнанным?

 Если понимать признание в современном, этаком прагматичном контексте  – может и не найти: может не пробиться на большие сцены, не обрести известность  у широкой публики. Но даже ради признания не стоит ставить себя в рамки. Необходимо вовремя разобраться с партнёрами, менеджерами, –  всеми, кто очерчивает границы того, что и как ты должен делать. У музыканта есть территория, на которую разрешён вход только очень узкому кругу людей, а слушать всех и угодить всем – это невозможно. Сначала молодой музыкант завоёвывает победы на конкурсах, добивается признания и на этом этапе делает то, что ему велят. А с признанием приходит определённая степень свободы. Уверен, для зрелого музыканта творческая свобода, поиск и реализация таланта важнее любых баснословных гонораров.

 Значит, ваша цель – творческая свобода?

 Моя цель – играть так, чтобы после меня что– то осталось. Не просто «Сергей Антонов», о котором слышали, которого знают. Стремлюсь, чтобы слушая Антонова, людям открывалось нечто, что они не испытывали раньше, чтобы специалисты задумались: «Надо же, а ведь действительно, можно и так сыграть!».  А любители послушали, и снова пришли ещё раз послушать виолончель.

 Для достижения творческой свободы что важнее: победы на конкурсах или грамотная планомерная поддержка менеджмента?

 Вопрос о поддержке менеджмента довольно сложный. В историческом контексте менеджмент – это новое. Когда творчество соединили с бизнесом, мир перевернулся с ног на голову: не артист стал нанимать менеджера, а менеджер – артиста. Если у хорошего артиста нет менеджера – нет и концертов, чтобы играть на хороших сценах надо иметь классного менеджера. От профессионализма агента зависит и популярность артиста. Раньше было просто: нравится – хлопают, нет – закидают помидорами. Сейчас решающую роль играют возможности агентства. Эта современная система чудовищно давит, понимаешь, что надо искать менеджера, а если отношения с менеджментом не складываются – будешь сидеть без дела. Получается, что творчеством управляют уже не музыканты!

 Ваш статус эксклюзивного солиста Московской филармонии –  тоже дань этой «моде»?

 Мои отношения с Московской филармонией просто замечательные. Для меня в этом сотрудничестве масса перспектив.  Филармония откликается на мои идеи об исполнении премьер, что для меня важно, а ведь это далеко не везде находит ответ. Я уже пять лет в Московской филармонии, и сам факт продолжительности этого сотрудничества свидетельствует о том, что наша совместная работа успешная, у нас есть диалог, взаимопонимание. Я искренне верю, что звание солиста Московской филармонии в нашем мире немало значит. Мне это даёт какую– то «осанку»: «Солист МГАФ – Сергей Антонов». Считаю, надо быть достойным и соответствовать этому статусу.

 В сентябре и октябре вы стали прямо– таки ударником филармонического труда: серия концертов по регионам в рамках программы «Звёзды XXI века», концерты в Москве. Не устали?

 В течение нашей (в ансамбле с пианистом Ильей Казанцевым) поездки по России я неожиданно понял, что у меня образовалась зависимость: не могу не выступать. Мне необходимо играть, выходить на сцену, и для меня нет принципиальной разницы где – в Москве или в регионах. Конечно, иногда в России мы сталкиваемся с репертуарными трудностями: просят не играть современную, авангардную музыку, но это и правильно: слушателя без подготовки такая музыка может так напугать, что он и вовсе не придет больше на классический концерт. Знаю, все артисты, любых профессий ездят, гастроли – это как мотор. Мотор, который нас двигает. Да, после долгих переездов мы ноем, хочется сесть на диван и смотреть телевизор… Но как приезжаем, получаем свой диван с телевизором, проходит пара дней, и появляются мысли: когда следующие дороги, концерты, гастроли? Важно, чтобы был перерыв. Но – небольшой. А то недавно у меня концертов не было полтора месяца: я был готов на стену кидаться. И понял: сцена для меня – как наркотик, я без неё не могу.

Зинаида Нестерова


В лучших традициях
PRs4ica
zina_nesterova
     27 апреля в Большом зале Московской консерватории Национальный филармонический оркес тр России (худ. рук. Владимир Спиваков) завершает абонемент «Русская музыка». В последнем концерте цикла дирижировать НФОР будет Александр Ведерников, который неоднократно выступал с оркестром Спивакова. На этот раз в программе симфонические миниатюры Лядова «Кикимора», «Баба-Яга», «Волшебное озеро», а также его же «Восемь русских народных песен» для оркестра. Во втором отделении –  Вторая симфония Скрябина.
«НФОР объединил первоклассных музыкантов», - считает А.Ведерников, - «многие оркестры по праву гордятся своими солистами, но, согласитесь, особый случай, когда в одном коллективе играют виолончелист Юрий Лоевский, альтистка Светлана Степченко, трубач Кирилл Солдатов, арфистка Илона Нокелайнен. Эти, вполне состоявшиеся и в разнообразных сольных проектах артисты, следуют лучшим традициям отечественной исполнительской школы, одна из важнейших составляющих которой – умение достичь объёмного, красочного звучания, интенсивного и по своей тембровой насыщенности, и в динамических оттенках. Эти качества наиболее полно раскрываются как раз в исполнении русской музыки, поэтому мне особенно интересно в работе с НФОР обратиться к изысканным, оперирующим всем выразительным спектром оркестрового колорита, шедеврам Лядова и Скрябина».

Иван Почекин и Александр Гиндин сыграют Брамса и Франка
PRs4ica
zina_nesterova
   Пианиста Александра Гиндина и   
скрипача Ивана Почекина называют лучшими в своём поколении. 22 апреля в рамках филармонического абонемента «Классика жанра» в Малом зале Московской консерватории музыканты исполнят сонаты Брамса и Франка.
Ивана Почекина, не смотря на большие успехи и достижение, причисляют к новому поколению отечественных исполнителей – в этом году скрипачу исполняется 25 лет. И хотя после блистательной победы на III Московском международном конкурсе имени Никколо Паганини в 2005 году карьера молодого скрипача развивается стремительно, Иван Почекин пока находится в самом начале своего творческого пути. Тогда как его партнёр по ансамблю на предстоящем концерте Александр Гиндин уже давно занимает лидирующие позиции в самых престижных мировых рейтингах. Совместное выступление с артистом такого уровня становится не только важным творческим опытом для молодого артиста, но и является определённым признанием высокого уровня мастерства скрипача.
 Для совместного выступления И.Почекин и А.Гиндин выбрали репертуар, любимый и наиболее часто исполняемый музыкантами всех поколений. В скрипичных сонатах Брамса и Франка, исследованных и прекрасно известных всем поклонникам камерного искусства, нелегко совершить открытия и поразить нестандартными интерпретациями. Тем ответственнее факт обращения к этому репертуару, обязывающий музыкантов, как минимум, не уронить высокую планку мастерства, которой следуют воспитанники отечественной исполнительской школы, и, как максимум, исполнить эти красивейшие сонаты по-настоящему вдохновенно и увлечённо, любуясь красотой и возвышенной романтикой этой музыки. Именно такого прочтения следует ожидать от дуэта столь ярких солистов, как Иван Почекин и Александр Гиндин.

Фестиваль Владимира Спивакова в Беларуси
PRs4ica
zina_nesterova

   С 20 по 28 апреля 2012 г. в Беларуси пройдет Второй Международный музыкальный фестиваль «Владимир Спиваков приглашает». По сравнению с первым, прошедшим в прошлом году, нынешний фестиваль объединил гораздо больше участников из разных стран мира (подробно: http://www.spivakov-festival.com/teilnehmer.html). Но главными участниками стали два возглавляемых Спиваковым оркестра – «Виртуозы Москвы» и Национальный филармонический оркестр России (НФОР). НФОР примет участие в концертах с 20 по 24 апреля, в частности, 20 апреля откроет фестиваль большим гала-концертом на сцене театра оперы и балета Беларуси, с участием интернациональной российско-беларусско-итальянской команды солистов. Концерты НФОР 23 и 24 апреля пройдут с участием блистательного пианиста Бориса Березовского. А 21 апреля Спиваков и НФОР вновь обратятся к мультимедийному проекту «Час Чаплина» - уникальной программе, в которой музыка из кинофильма Чарли Чаплина «Огни большого города» сопровождается показом  киноленты, вошедшей в историю мирового кинематографа. Синхронно с кинопоказом оркестр исполняет оркестрованную для большого симфонического оркестра оригинальную партитуру Чаплина, написанную им в 1931 году и реконструированную в 2004 году американским дирижером и композитором Тимоти Броком.  
«Фестивалю Владимир Спиваков приглашает уже более 10 лет», - рассказывает Владимир Спиваков, - «Начинался он как московский фестиваль, а с 2010 года, расширив свою географию, прошел в городах Пермского края, Омске, Минске. Я много раз бывал в Беларуси, люблю ее гостеприимный народ, ее богатую культуру и счастлив снова приехать сюда. Мне особенно приятно, что в этом году фестивальные концерты пройдут не только в Минске, но и в Могилеве, Гомеле и Несвиже, а также в рамках фестиваля запланированы мастер-классы. Для меня и моих оркестров важно не количество концертов, а возможность показать то, что люблю я сам: что-то новое, разнообразное по жанрам и стилям, уникальное, талантливое. Думаю, нам это удавалось раньше и, надеюсь, удастся и на этот раз.»


Лёд и пламень Владимира Спивакова
PRs4ica
zina_nesterova
  4 апреля в столичном Концертном зале имени Чайковского в рамках абонемента «Лёд и пламень…» Национальный филармонический оркестр России (НФОР) выступит под управлением своего художественного руководителя и главного дирижёра Владимира Спивакова.
Принципом для формирования программ цикла «Лёд и пламень» стал контраст произведений композиторов-антиподов, авторов, бывших современниками, однако представляющих зачастую различные, а иногда и вовсе противоположные художественные направления.
Прокофьева и Шостаковича едва ли можно считать антиподами, однако, их музыку принято сопоставлять, сравнивая Прокофьева с Гайдном и Моцартом, а Шостаковича – с Бетховеном, и подчёркивать этими сравнения несхожесть стиля композиторов.
В первом отделении прозвучит Концерт № 2 для фортепиано с оркестром Прокофьева – один из самых масштабных фортепианных концертов своей эпохи, называемый «симфонией с фортепиано». Солировать будет молодой пианист Константин Шамрай. Лауреат многих международных конкурсов, наиболее широкую известность музыкант завоевал благодаря победе на IX конкурсе пианистов в Сиднее (2008, I премия и 6 специальных призов). После конкурса К.Шамрай дал 27 сольных концертов в городах Австралии и 13 концертов с Австралийским струнным квартетом, а также получил предложение от компаний Naxos и ABC-Classics записать диски с сольными программами. На сегодняшний день география выступлений К.Шамрая охватывает разные города России, многие страны Европы, США. С Владимиром Спиваковым пианист сотрудничает не впервые, однако, в течение многих лет являясь стипендиатом благотворительного фонда Спивакова и неоднократно выступая с камерным оркестром «Виртуозы Москвы», с НФОР К.Шамрай выступит впервые.
Во втором отделении прозвучит Пятая симфония Шостаковича, которую композитор задумывал как некую реабилитацию, ответ на разгромные отзывы, сопровождающие все его премьеры довоенных лет. Композитор даже дал симфонии подзаголовок «Ответ советского художника на справедливую критику». Этот «ответ» мог бы сойти за пример героического классицизма, который от него требовали. Шостакович словно минимизировал свой музыкальный стиль, но образный ряд стал полон аллюзий и намёков, истинный смысл которых откроется намного позднее. В Пятой симфонии Шостакович нашел язык, с помощью которого он мог говорить с властью все последующие годы.

?

Log in